Édition 2016
Les astrophysiciens nous apprennent que l’univers serait en expansion et qu’inexorablement, les galaxies s’éloigneraient les unes des autres. On pourrait en dire autant des musiques d’aujourd’hui.
Si l’on observe l’évolution des musiques savantes en occident depuis un siècle, on ne peut s’empêcher de remarquer que peu à peu, tout langage commun, toute typologie commune, toute référence commune disparaît. Il y a un siècle, de très nombreux compositeurs créaient chacun dans son style propre, Debussy était certes éloigné de Puccini, Rachmaninov de Falla mais enfin, la syntaxe, le vocabulaire et les instruments étaient communs. Une divergence importante vint déjà avec l’atonalité et le sérialisme, mais qui restèrent longtemps exceptionnels dans le paysage international.
Aujourd’hui, et c’est un problème récurrent pour le jury de sélection du Grand Prix Lycéen des Compositeurs comme pour les lycées eux-mêmes, l’espace est ouvert comme jamais auparavant. Il serait vain de ramener ces trajectoires divergentes à de simples questions d’écoles ou de générations. Les jurés d’un prix littéraire, Goncourt ou Renaudot, jugent des romans qui, dans leur variété, ont bien des points communs, ne fût-ce que leur caractère narratif et une dimension à peu près calibrée. Chez les musiciens, chaque créateur poursuit désormais sa voie singulière, non cependant sans être à l’écoute des autres musiques, de toutes les musiques.
Dans notre sélection, une pièce utilise des moyens électro-acoustiques; d’autres des effectifs instrumentaux rares, d’autres encore des instruments traditionnels ; le sentiment tonal ou modal peut apparaître ici et être complètement absent là ; des formes traditionnelles comme le concerto ou le quatuor à cordes peuvent être « revisitées ». Au contraire des musiques commerciales qui saturent si banalement nos oreilles, celles-ci doivent faire éprouver l’ivresse de la liberté et de la création.
Jacques Bonnaure
Comité de sélection
Le Comité de sélection du 17ème Grand Prix Lycéen des Compositeurs s'est réuni le mercredi 9 septembre 2015 ; il était composé de :
- Jacques Bonnaure, professeur de Lettres, journaliste à La Lettre du Musicien et à Classica
- Nicolas Callens, professeur agrégé de musique au Lycée du Noordover de Grande-Synthe
- Xavier Delette, chef d'orchestre, directeur du CRR de Paris
- Bertrand Dermoncourt, directeur de la rédaction de Classica
- Benoît Duteurtre, écrivain, directeur de Musique Nouvelle en Liberté
- Wilhem Latchoumia, pianiste
- Arnaud Merlin, producteur radio à France Musique
La sélection
Concerto pour alto et orchestre à cordes
Œuvre sélectionnée : Concerto pour alto et orchestre à cordes, mouvement I "Solennel"
Durée : 10'04
Année de composition : 2005
Création : 2011
Interprètes : Arnaud Thorette, alto / Ensemble Contraste, direction Johan Farjot
Disque : Into the dark
Label : CD Aparté (AP108)
Plage : 1
Enregistrement : les 31 janvier, 1er février et 14 février 2013 à Paris , Temple Saint Marcel, par Arnaud Thorette (alto) et l’Ensemble Contraste, sous la direction de Johan Farjot.
Partition : inédite
Production exécutive : Contraste Productions / Euroculture en Pays Gentiane
Le Concerto pour alto et orchestre à cordes est construit en forme d’arche, débutant par un mouvement très lent, interrompu par une partie centrale assez agressive avant un ralentissement progressif du tempo. « J’ai été guidé par la volonté de partir d’une simplicité modale légèrement archaïsante pour introduire progressivement un contrepoint et des harmonies plus riches, voire chargées, tout en conservant, tant que faire se pouvait, l’unité du style… Comme dans Harold en Italie de Berlioz, l’alto solo n’est là que comme part de l’édifice et non instrument virtuose destiné à briller. A plusieurs reprises, c’est par une agitation croissante que s’installe un nouveau tempo et un nouveau climat. Au fur et à mesure que le thème se déploie, une incertitude harmonique s’introduit grâce à l’ambiguïté entre sol mineur et sol modal. L’accompagnement se fait tantôt très présent, chargé, et tantôt épuré, presque cristallin. » (Karol Beffa).
Karol Beffa (1973)
Il mène parallèlement études générales et études musicales après avoir été enfant acteur de sept à douze ans dans plus d’une quinzaine de films (il a notamment joué avec le Piccolo Teatro de Milan sous la direction de Giorgio Strehler et a interprété Mozart à huit ans dans le téléfilm de Marcel Bluwal). Reçu premier à l’École Normale Supérieure (Ulm), il étudie l’histoire, l’anglais, la philosophie et les mathématiques : il est diplômé de l’ENSAE. Entré au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris en 1988, il y obtient sept premiers prix (harmonie, contrepoint, fugue et le prix d’accompagnement vocal). Reçu premier à l’agrégation d’éducation musicale, il enseigne à l’Université Paris IV-Sorbonne puis à l’École Polytechnique. Il a soutenu une thèse de doctorat en musicologie sur les Études de Ligeti. En 2004, il a été élu Maître de conférence à l’École Normale Supérieure. Karol Beffa est également pianiste et s’est produit plusieurs fois avec orchestre, ainsi qu’en accompagnant des lectures de textes et des films muets. Il donne des concerts d’improvisations sur des thèmes suggérés par le public, genre qu’il est l’un des seuls pianistes à proposer en Europe. Son style a longtemps oscillé entre deux directions : un pôle contemplatif, extatique, au rythme harmonique souvent très lent, qui a pu évoquer la musique d’Arvo Pärt et un pôle dynamique, d’une extrême nervosité, où la musique prend souvent la forme d’un mouvement perpétuel.
Ouverture en forme d’étoiles
Œuvre sélectionnée : Ouverture en forme d'étoiles pour orchestre
Durée : 8'34
Année de composition : 2006
Création : 20 avril 2006 à Grenoble, MC2, par l'Orchestre de chambre Pelléas, sous la direction de Benjamin Levy
Interprètes :Orchestre de chambre Pelléas, direction Benjamin Levy
Disque: Laterna Magica
Label : CD MusiCube (CUB1302)
Plage : n°1
Partition : Éditions Henry Lemoine
Avec le soutien de Radio France, Éditions Henry Lemoine, Le Chant du monde
« L'Ouverture en forme d'étoiles rejoint certaines de mes œuvres pour orchestre comme Lumen, Color ou mon Concerto pour piano : le langage est basé sur l'idée de lumière, de scintillements, de tourbillons, de mouvements rapides, de vertige. Le titre, un peu énigmatique, laisse entendre que la musique prend ici la forme des étoiles. On peut alors imaginer un ballet de comètes, de météores, de planètes et d'étoiles dans l'espace qui se termine dans une grande jubilation. Après une première ébauche composée en 2004, j'ai réécrit intégralement la partition en 2006, créée le 20 avril 2006 à la MC2 de Grenoble par les interprètes du CD. » (Régis Campo)
Régis Campo (1968)
Régis Campo étudie la composition auprès de Georges Bœuf au Conservatoire de Marseille, puis au CNSMD de Paris dans les classes d’Alain Bancquart et de Gérard Grisey. Dès 1992, il suit l’enseignement d’Edison Denisov qui le considère alors comme « l’un des plus doués de sa génération ».
Pensionnaire à la Villa Médicis de 1999 à 2001, son œuvre connaît rapidement une forte notoriété en Europe et dans le monde, notoriété attestée par de nombreux prix et récompenses. Il est d'ailleurs élu à l’Académie des Beaux-Arts le 17 mai 2017 dans la section Composition musicale.
Son catalogue – riche de plus trois cents œuvres – aborde diverses formations instrumentales ou vocales et est joué par des ensembles spécialisés et de nombreux orchestres en Europe et à travers une trentaine de pays dans le monde.
Son style, souvent qualifié de ludique et de coloré, met l’accent sur l’invention mélodique et l'humour. Lors de son discours d’installation sous la Coupole en avril 2019, il a rappelé rechercher la joie et « cet état d'émerveillement que nous guettons à chaque instant de la vie » à travers la création musicale.
Site du compositeur :
Autumn Pictures, Concerto pour clarinette
Œuvre sélectionnée : Autumn Pictures, concerto pour clarinette, mouvement III "Energico"
Durée : 9'04
Année de composition : 2009-2010
Création : le 10 novembre 2010 à Paris, Théâtre du Châtelet, dans le cadre du Festival "Les Paris de la musique", par Patrick Messina (clarinette) et l'Orchestre de Chambre de Paris, sous la direction d'Olari Elts
Interprètes : Patrick Messina, clarinette / Orchestre de Chambre de Paris, direction Olari Elts
Disque : On the Borders of Nowhere, concerto pour violon n° 1 / The Dark Mountain, concerto pour cor / Autumn Pictures, concerto pour clarinette
Label : CD Naxos (8.572773)
Plage : n° 9
Co-commande de Musique Nouvelle en Liberté-Ville de Paris et de Buffet Crampon
Partition : Éditions Durand
« Mon concerto pour clarinette, Autumn Pictures, dédié à Patrick Messina, est une musique imaginaire et non pas descriptive, en dépit de son titre. Ce sont plutôt des images, fruits de l'imagination et de la mémoire. Des impressions et des souvenirs où les couleurs poétiques s'enchaînent et disparaissent, tel un nuage d'automne, dans un voyage à travers le temps, vers des espaces lointains... C'est une œuvre en trois mouvements qui suggère la présence d'un fil imaginaire, qui fait penser à un film qui n'a jamais existé. Une musique qui évoque, à un certain moment, le ciel de l'Orient, cet Orient magique des ports phéniciens d'où tout est parti à la conquête du monde; et la plupart du temps, sans espoir ou sans envie de retour, mais toujours embrassant l'ultime rêve des terres inconnues...» (Bechara El-Khoury)
Pour en savoir plus : page Wikipédia du compositeur et label Naxos
Bechara El-Khoury (1957)
Né à Beyrouth (Liban) dans une famille chrétienne, Bechara El-Khoury est sensibilisé à la musique dès son jeune âge. Ses débuts artistiques sont très précoces, mais ce n'est qu'en 1969 qu'il commence de sérieuses études musicales à Beyrouth, sous la direction d'Hagop Arslanian (piano, harmonie, contrepoint, fugue et analyse), tout en poursuivant des études supérieures. Il composera ainsi ses premières œuvres pianistiques et symphoniques.
Entre 1971 et 1973, Bechara El-Khoury publie trois recueils de poèmes, avant de se rendre à Paris en 1979 afin de se perfectionner avec Pierre Petit. Depuis lors, il réside à Paris. Sous l'influence de la guerre civile libanaise, qui a éclaté en 1975, il a composé de 1980 à 1985 une Trilogie du Liban, dont les œuvres orchestrales sont Les Ruines de Beyrouth, Le Liban en flammes et Les Martyrs et Requiem aux libanais de la guerre. En 1987, il a pris la nationalité française. En 2000, Bechara El-Khoury a reçu le « Prix Rossini » de l’Académie des Beaux-Arts (Institut de France), puis en 2001 il est promu « Chevalier dans l'Ordre national du Cèdre du Liban ».
Son œuvre, moderne mais profondément enracinée est attachée à l’expressivité et au lyrisme, comprend de nombreuses partitions symphoniques ou concertantes qui ont intéressé des formations symphoniques de haut niveau soucieuses de renouveler leur répertoire, comme par exemple l'Orchestre National de France, le London Symphony Orchestra, l'Orchestre de Paris, l'Orchestre du Konzerthaus de Berlin, ou encore l'Orchestre Philharmonique d'Oslo, sous la direction des plus grands chefs d’orchestre, tels que Kurt Masur, Daniele Gatti, Paavo Järvi, James Conlon, Daniel Harding...
Il est publié par les Editions Durand et Eschig (Universal Music Publishing Classical).
Padouk Phantasticus, pour clarinette en la et marimba
Œuvre sélectionnée : Padouk Phantasticus, pour clarinette en la et marimba
Durée : 6'38
Année de composition : 2009
Création : 5 août 2009 à Salon-de-Provence, Château de l'Empéri, par Paul Meyer (clarinette) et Ria Ideta (marimba).
Enregistrement : au studio 106 de la Maison de Radio France les 3 et 4 janvier, 4 avril, 10 mai et 13 juin 2014.
Interprètes : Paul Meyer, clarinette / Ria Ideta, marimba
Disque : Balnéaire - Chamber music
Label : CD Evidence Classics (EVCD005) / Little Tribeca
Plage : n° 2
Partition : inédite
Commande du Festival Musique à l'Empéri
Avec le soutien de Radio France, Yamaha, FCM, Les Classiques Buissonnières
Le titre requiert quelques explications. Le Padouk est un bois rouge que l’on récolte en Asie et en Afrique. Il sert au mobilier d’extérieur, aux coques de bateaux, etc. C’est dans ce bois très compact et très stable que sont fabriquées les lames du marimba. Athanasius Kircher écrit dans Musurgia Universalis (Rome, 1650) : « Le stylus phantasticus est la plus libre des méthodes de composition. Libre de toute contrainte de texte ou d’harmonie prédéterminée. Il a été créé pour révéler le système occulte de l’harmonie et est divisé en catégories ordinairement appelées fantaisies, ricercare, toccata, ou sonates ». Phantasticus désigne donc un style essentiellement instrumental venu d’Italie où il est, pendant les premières années du XVIIe siècle, lié aux spéculations ésotériques et à l’inquiétude métaphysique consécutives aux découvertes de Galilée. Si la terre n’est plus au centre de l’univers, qu’en est-il de l’homme ? Le stylus phantasticus est une manière de répondre à ces questionnements. En privilégiant une musique abstraite et sans forme définie, il permet à l’inconscient du musicien de s’exprimer librement plutôt qu’à obéir à des formes préétablies, et ainsi de se retrouver lui-même au centre de sa création. Il est caractérisé par la virtuosité, l’improvisation et surtout la liberté. Il est à l’opposé de la forme-sonate qui se développe parallèlement.
Vidéos : Padouk Phantasticus
Les répétitions du concert "Balnéaire" - Interview de Laurent Lefrançois
Laurent Lefrançois (1974)
Laurent Lefrançois est diplômé de l’École Normale de Musique de Paris en orchestration et en composition (classe de Michel Merlet). Il a étudié l’harmonie et le contrepoint avec Stéphane Delplace et la composition et l’orchestration avec Guillaume Connesson. Comme il l’écrit lui-même : « dans un monde dominé par la technologie et le mélange des genres, il a l’audace d’affirmer paisiblement son univers musical : rythme, lyrisme et hédonisme sonore. Il est de ceux pour qui l’artisanat n’est pas furieux, mais respectueux des matériaux et soucieux de transmettre des gestes éprouvés ». Il a reçu diverses commandes de festivals spécialisés ou non dans la musique contemporaine, obtenu le Prix du public du concours international jeunes compositeurs de Boulogne en 2006 (Philippe Hersant, président du jury). Transatlantique, commande de l'Orchestre du Conservatoire de Douai a été créé à l'Auditorium Henri Dutilleux le 9 décembre 2014 par le Sinfonietta dirigé par Frédéric Lodéon. Laurent Lefrançois prépare un Concerto pour clarinette avec Paul Meyer et l'Orchestre de l’Opéra de Rouen pour juin 2016, commande de Musique Nouvelle en Liberté.
Quatuor à cordes n°7
Œuvre sélectionnée : Quatuor à cordes n° 7
Durée : 13'02
Année de composition : 2012-2013
Création : 2012 à Genève
Interprètes : Quatuor Tana [Antoine Maisonhaute, Chikako Hosoda (violons), Maxime Desert (alto), Jeanne Maisonhaute (violoncelle)].
Enregistrement : au Château de Chabenet (Indre), du 4 au 14 novembre 2013 par le Quatuor Tana
Disque : Le ciel retrouvé, intégrale des sept quatuors à corde
Label : CD Intrada (INTRA057)
Plage : CD 3, plage 1 jusqu'à 13'02"
Partition : L’Oiseau Prophète Éditeur
« C’est un peu avant Noël 2012 que je me suis procuré la Correspondance de Robert Walser. Sa description d’un monde irréel et merveilleux, apparaît comme séparé de l’existence quotidienne par un rideau opaque… Il s’installe à la fin de sa vie (1956) dans une sorte de fatalité heureuse, sans résistance. Je me sens proche de ce trait de caractère : j’ai de temps en temps une certitude inébranlable pour une multitude de doutes permanents. En écrivant le Quatuor, je me suis aperçu que je dessinais une ligne unique à partir des soli de chaque instrument. Puis ils se rencontrent comme par inadvertance, se coagulent et se séparent. Solos, duos, trios, quatuors : j’ai envisagé 42 configurations pour quatre musiciens. Ces 2 fois 21 moments indépendants peuvent se suivre, se superposer, se compléter comme un jeu de cubes. Ils se répartissent sur deux mouvements pour laisser les interprètes respirer à la césure, ainsi que les auditeurs… J’ai écrit cette œuvre avec limpidité tout en concevant un monde de détails microscopiques, dissemblables, comme une myriade de souvenirs formant une unité complexe et mouvante ». (Jacques Lenot)
Jacques Lenot (1945)
Jacques Lenot revendique un parcours atypique. Autodidacte (même si sa route a croisé celles de Karlheinz Stockhausen, György Ligeti et Mauricio Kagel à Darmstadt, de Sylvano Bussotti à Rome, de Franco Donatoni à Sienne); dévoué au seul processus créateur (« ni instrumentiste ni chef d’orchestre »); indépendant des institutions musicales (son seul poste officiel a été — brièvement — celui d’instituteur). Depuis la création très remarquée, en 1967, de sa première œuvre d’orchestre au Festival de Royan — proposée par Olivier Messiaen — il impose une écriture complexe, tourmentée, très pointilleuse dans le détail de la nuance, de l’attaque, du rythme, d’origine sérielle. Il essaie d’élargir ce système à un univers qui lui est propre. La virtuosité instrumentale y tient un rôle central et, de plus en plus, Jacques Lenot collabore avec les créateurs de sa musique pour en repousser encore les frontières. Pourtant, quel que soit leur degré d’abstraction, ses œuvres dévoilent un univers poétique d’une rare intensité. Il a réalisé un important corpus pianistique que Winston Choi (lauréat du Concours International d’Orléans 2002) a enregistré intégralement pour Intrada. Parmi ses œuvres les plus récentes, on compte Effigies pour piano (2012), D’autres Murmures pour trompette et grand orchestre (2013), Ardendo pour violon (2013), Isis & Osiris pour environnement électronique et septuor instrumental à vent (2014), et le Quatuor à cordes n° 7.
Ambiance Matisse
Œuvre sélectionnée : Ambiance Matisse, pièce électroacoustique
Durée : 13'48
Année de composition : 2010
Création : 28 novembre 2012 au ZKM (Zentrum für Kunst und Medientechnologie) de Karlsruhe, Allemagne.
Disque : Paysage électronique avec train
Label : CD Megadisc Classics (MDC7795)
Plage : n°2
« C’est au départ une commande du chorégraphe Michel Kelemenis avec qui je collabore depuis de nombreuses années. Le thème était une sorte d’hommage à Matisse pour le Musée des Beaux-Arts de Lyon et particulièrement son Réfectoire où de nombreuses statues semblent littéralement sortir des murs. De ces deux pistes — les statues et Matisse — j’ai retenu l’idée de présences chuchotant, comme des personnages immobiles mais sensibles et la manière unique d’Henri Matisse de suggérer la réalité en n’en traçant que les contours énergétiques ; autrement dit, la vie même. Les sons de cette œuvre (et de toutes mes réalisations en général) fonctionnent de manière organique : un son en déclenche un autre ou est la conséquence d’un précédent, cela dans un jeu permanent qui affecte les dynamiques, les hauteurs, les couleurs ou les textures ; un jeu qui peut-être discret et souterrain ou alors au premier plan pour orienter l’écoute par exemple. C’est un principe de type biologique où règne la notion d’interdépendance et qui donne à l’ensemble sa cohérence ». (Christian Zanési)
Christian Zanési (1952)
Ancien étudiant de Guy Maneveau et Marie-Françoise Lacaze (Université de Pau, 1974-1975) puis de Pierre Schaeffer et Guy Reibel (Conservatoire de Paris, 1976-1977). Depuis son entrée au Groupe de Recherches Musicales de l’Ina (Ina-GRM) en 1977, il a multiplié les expériences, les réalisations et les rencontres : il est à l’origine de nombreux projets dans les domaines de la radio, des publications et des manifestations musicales, notamment : le festival Présences électronique qu’il a imaginé en 2005 et dont il a assuré la direction artistique jusqu’en 2015, l’émission Electromania sur France Musique avec David Jisse et Christophe Bourseiller et les coffrets CD plusieurs fois réédités: «Archives GRM», «Bernard Parmegiani», «Luc Ferrari», « Pierre Schaeffer » et « François Bayle ». Pendant plusieurs années et jusqu’en juillet 2015, il a été le responsable de l’Ina-GRM. Ses œuvres sont essentiellement « acousmatiques » et ont été jouées dans de nombreux festivals. Depuis une dizaine d’années, il pratique aussi la live music — se définissant comme « l’instrumentiste de ses sons » — et a participé à de multiples concerts en solo ou avec des musiciens venus du jazz ou des musiques électroniques comme Edward Perraud, Frederick Galiay, Kasper Toeplitz, Arnaud Rebotini, Christian Fennesz et Mika Vainio. Il a aussi signé la musique de plusieurs spectacles chorégraphiques de Michel Kelemenis et pour le cinéma les bandes sons des films d’animation de René Laloux (Les maîtres du temps et Gandahar). Depuis les années 1990, il compose dans son home studio et puise son inspiration dans la rencontre poétique avec des sons remarquables.
